La retirada del cine de Hayao Miyazaki y el reciente estreno en nuestras pantallas de su film de despedida, El viento se levanta, nos llevan de manera obligada a recorrer uno a uno los títulos de una trayectoria de iconografía y poética a la altura de los más grandes cineastas asiáticos
Las conquistas del binomio formado por Hayao Miyazaki en la dirección y Joe Hisaishi en la composición musical sólo pueden compararse en el cine hecho al otro lado del mundo por el que han formado, también durante décadas, Steven Spielberg y John Williams. Que no es decir poco
Cerramos el estudio Woody Allen con la otra cara de la moneda que nos faltaba, la perspectiva que el cine ha ofrecido sobre la vida y obra del genio neoyorquino. Esta colección de documentales, dentro de sus limitaciones, completan la percepción sobre Allen a distintos niveles, sus métodos, sus dudas, su personalidad y su vida más allá de los rodajes, de gira con su banda de jazz
Wes Anderson es uno de los cineastas norteamericanos contemporáneos que poseen una personalidad más identificable. Es todo lo que podemos pedir a un director moderno, que afiance su estilo abrazando todo tipo de influencias y referentes, ofreciendo material nuevo que enlazar con el pasado, el suyo, el del cine y el de la propia historia, desarrollando una iconografía propia. Y su filmografía da claras muestras de esta evolución estilística.
Si hasta ahora algo ha transmitido el cine de Wes Anderson es que mantiene una estrecha y personal relación con la música. Su proceso de selección y montaje resulta vital al construir sus historias, grupos como The Kinks o The Rolling Stones ya están unidos a sus películas. Por ello, invitamos a grupos de música como Aurora, La Habitación Roja y Nine Stories, junto a colaboradores y firmas invitadas, para seleccionar una playlist de su cine: Sintonizando a Wes Anderson
Abordamos la carrera de Roman Polanski tratando de alentar puntos de vista diferentes: El análisis de tres piezas de cámara, su improbable incursión en el género con dos obras de aventura y su ópera prima, junto al estudio de una selección de su filmografía y la crítica del reciente estreno La venus de las pieles
Apuntes trasnochados sobre el cine de Roman Polanski: La muerte y la doncella, Un dios salvaje y La venus de las pieles se alimentan del texto dramatúrgico poniendo de manifiesto la poderosa influencia que el teatro sigue ejerciendo hoy sobre su hermano menor
El cine de Roman Polanski nunca ha sido precisamente humanista, incluso podríamos estar de acuerdo al asegurar que se atreve a proclamar el fin de lo humano. En consecuencia, sus dos particulares aproximaciones al cine de aventuras carecen de esa clase estímulos juveniles y vitalistas que el género suele ofrecer, se nos presentan como películas fuera de su propio tiempo
Todo lo que plantea Harold Ramis en Atrapado en el tiempo (Groundhog Day, 1993) es muy serio. La idea es sencilla, y a la vez bastante compleja. La exageración va de la mano de la imposibilidad física para caracterizar de Bill Murray al hombre moderno, atrapado en la monotonía de un mundo en el que nadie parece darse cuenta de que las reglas son absurdas, tanto como que exista un rito protagonizado por una “especie de rata” meteoróloga
Roman Polanski simboliza la resistencia del cine de autor europeo más transgresor, capaz de adentrarse en Hollywood firmando obras maestras para huir por la puerta de atrás, como de revelar la esencia de una Europa distinta tras la Segunda Guerra Mundial, junto a la que su aniñado rostro ha ido inevitablemente envejeciendo sin perder ápice de su riesgo creativo ni pulsión sexual tras las cámaras
De Londres a París, pasando por Roma, Asturias o Barcelona, su reciente etapa europea resulta marcada por su irregularidad, pero también por alentar nuevas y nada ingenuas perspectivas. Aunque con el título hagamos referencia a sus postales desde Europa, no creemos que esta serie de películas se queden en la superficie. Y es que si Europa es el decorado, Allen pone el genio
El estreno del último film de los hermanos Coen, A propósito de Llewyn Davis, nos ofrece la oportunidad de brindarles una calurosa acogida. Para ello, además del análisis de su filmografía, proponemos tres aproximaciones a su cine probablemente poco ortodoxas pero igualmente enriquecedoras: Su mirada al lejano oeste y la narrativa americana clásica, los ecos existentes de la tragedia griega en sus historias y su interpretación personal del género musical
Si comprendemos el estudio del cine de los hermanos Coen como una Odisea a través de los géneros norteamericanos clásicos, a priori el musical no aparecería entre sus principales fuentes de inspiración ni reconstrucción, pero al prestar atención, resulta todo un placer observar cómo algunas de sus películas cobran forma y son narradas con plena personalidad a través de la música
Los Coen tienen la capacidad, con algunas de sus imágenes, de retratar la vida en América. Comenzaron siendo los niños traviesos y experimentadores de la industria, pero su estilo narrativo, su retrato de personajes, situaciones y sentimientos está ya mucho más cerca del clasicismo que de la vanguardia
La narración cinematográfica ha sido y es, no sabemos si sobrepasada ya por las múltiples formas del audiovisual, el último peldaño de la forma trágica. En este sentido, el héroe coeniano se verá arrastrado por una serie de circunstancias que, al más puro estilo Medea, lo acabarán empujando al asesinato, el secuestro o el ostracismo
Cineastas y guionistas de mente bicéfala, nos proponemos adentrarnos en la filmografía de los hermanos Coen a raíz del estreno de su último y fantástico film, A propósito de Llewyn Davis, con el que iniciar a lo Ulises un recorrido que nos llevará desde el medio-oeste americano a los principales géneros clásicos
Continuamos nuestro estudio del cine de Woody Allen con una de las épocas más tumultuosas y dispares de su filmografía. Por no decir de su vida. Hablamos de su cine de las noventa: Falso documental, musical, televisión, coros griegos, auto-referencias o entretenimientos como escapismo a una realidad que le superaba y que desembocó en uno de sus periodos creativos más generosos
De Copenhague a Bangkok, de Mads Mikkelsen a Ryan Gosling, de Pusher a Solo Dios perdona, Nicolas Winding Refn se erige como uno de los cineastas más estimulantes y coherentes del panorama cinematográfico. Marcado por la violencia, el martillo y el neón
Aunque no haya sido hasta sus últimas películas cuando Nicolas Winding Refn ha cosechado prestigio internacional, nos encontramos ante un cineasta hecho a sí mismo, cuyas señas de identidad se encuentran en su obra pretérita con similar contundencia. Porque no es un director cualquiera, hay algo que nos impide apartar la vista de sus imágenes. De la trilogía Pusher a Solo Dios perdona, tratamos de desentrañarlo con el estudio crítico de su filmografía
